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カスタマーレビュー数：13
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『アメリカ，家族のいる風景』で、ヴィム・ヴェンダース監督は『パリ、テキサス』で初めて取り組んだ文学的、比喩的な作品に再びチャレンジした。アメリカ南西部が舞台になり、脚本にサム・シェパードが関わったのも以前と同じである。今回はシェパードが主役も務めた。彼が演じるハワード・スペンスはかつての西部劇スターだ。ある日モニュメント・バレーで撮影をしていた彼は、ブーツを脱いでネバダ行きの電車に飛び乗り、母親（いつまでもチャーミングなエヴァ・マリー・セイント）に会いに出かけた。映画関係者に雇われた探偵サター（ティム・ロス）が、彼の後を追っていることには、まだ気づいていない。次にスペンスはモンタナへ行き、身内の死から立ち直ろうとしている若き女性スカイ（サラ・ポーリー）に出会う。そして、クリス・アイザックのように歌う、どこか反抗的な青年アール（ガブリエル・マン）。彼が若気の至りの行為によって生まれた自分の子どもだということを、スペンスはまだ知らなかったが、後にこの衝撃の事実を知ることになる。ビュートにいる間に、彼は昔の恋人ドリーン（ジェシカ・ラング）を捜し当てる。この『アメリカ，家族のいる風景』で、ヴェンダースとシェパードは回顧的な雰囲気を大切にしたため、スペンスは『パリ、テキサス』でハリー・ディーン・スタントンが演じたトラヴィスよりも年を取っており、悲嘆的になっている。強烈な印象を残すわけではないが、西部をテーマにした近代映画のうちの名作に加える価値がある。フランツ・ラスティグの撮る画面は燃えるような赤に萌えるような緑など色彩が美しく、T＝ボーン・バーネットの物憂げな音楽もいい。(Kathleen C. Fennessy, Amazon.com)
【くちコミ情報】
なぜモンタナ州ビュート
というのは、ヴェンダース監督の「ハメット」の最初のほうにモンタナ州ビュートという地名が出てくるのですが、きっと彼はアメリカでこんな映画を撮るのが夢だったんじゃないだろうか！？ グーグルアースで見るとビュートは何にもないところにある小さな町。映画に出てくる通りもわかるほど。アメリカの田舎（ど田舎）で、いかにもありそうなお店やいかにもいそうな人々が出てくる映画です。きっとドイツ人がアメリカを見たときの印象から来ているので、日本人がアメリカを見るときと共通するものなんだろうなと思います。主人公のお母さんとか、ウェイトレスとか、インディアンとか、フィットネスクラブ、単純に真四角の建物とか、砂漠、馬、道路。ストーリーや豪華なキャストにも目が行きがちですが、そういったところにもアメリカらしさがよく出ている映画だと思います。
普通の「アメリカ」
アメリカというと、 ニューヨーク、ワシントンといった都会しか イメージできないほど、アメリカについては 何も知らないのですが、 アメリカの普通の田舎町が、どんなところなのか、 ということをこの映画を通じて知ることができました。 へー、こんなに静かで、人が少ないんだ・・・・
諦めの受容
独身中年男性が、現在の自分の人生に虚無を感じ、仕事をほっぽり出して、存在する自分の子供を捜しに旅に出かけるロードムービー。 西部の荒涼とした空疎なアメリカの砂漠が、どこまでも映し出される。ティム・ロスが砂漠で、さらりとフィリップスの電動シェーバーを使って髭を剃る。この髭を剃るシーンがとてもきれいだ。開拓されていない空っぽの砂漠と、トリプルトラックヘッドシェーバーとの対峙が、やわらかな陽光の下とても美しい。 男は幸せな家庭を築くことを自分の夢とするのか、自我の実現を自分の夢とするのか、といった野暮ったい話ではない。どちらかを選択する以上、必ず後悔するというペシミスティックな話でもない。旅をすることで、濃密な空疎の中で、人生のある種の諦めを受容する話ではある。朗らかな風が、人間味のある旧車が、１人の男の旅を、優しく当然のこととして称えている。
映像の色彩
まったく期待せずに観たのだが、素晴らしかった。 秀逸なセンスとカメラワークでアメリカ西部の乾いた空気感や、 人との「コミットメント」に飢えてる人々の寂寥感を出している。 そして、映像の色彩というか、「色合い」が素晴らしい。 ただ、この邦題の付け方はいかがなものかと思うが・・・。
最高傑作です
たまたま母と一緒に劇場で鑑賞しましたが、親子で涙が止まりませんでした。 ある特定のテーマを押し付けるような厚かましさはなく、見る人それぞれが、それぞれの感覚で「家族」を感じられる作品となっています。 感動するところを述べたらきりがありませんが、私は娘が父親に大して純粋に気持ちを打ち明けるシーンにとても感動しました。彼女の素直さがアール（息子）の気持ちを溶かしたのだと思います。 それにしても、なぜベンダースが老人を描くとこんなにも素晴らしいものになるのでしょう。 日常忘れがちですが、改めて老人に敬意を感じることができました。
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トム・ウルフの世界的ベストセラー小説をもとに『存在の耐えられない軽さ』『クイルズ』などのフィリップ・カウフマン監督が壮大なスケールで描いた宇宙開発秘話。1950年代より始まった米ソの冷戦構造のさなか、アメリカは宇宙開発に一歩先でていたソ連に対抗すべく、マーキュリー計画を推進。7人のパイロット（スコット・グレン、エド・ハリス、デニス・クエイドなど）が宇宙飛行士として選ばれるが、それに背を向けるかのように、初めて音速の壁を破った男チャック・イエーガー（サム・シェパード）は独り自らの記録を超えるべくチャレンジを繰り返していく。
国家に殉じて英雄となるべく訓練を続ける男たちと、あくまでも一匹狼として生きようとする男、ヒーローの姿を対比的に描いた快作。アカデミー賞編集・作曲・音響・音響効果の4部門を受賞。（的田也寸志）
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カスタマーレビュー数：15
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ブラッド・ピットがプロデュースし、自ら伝説の大泥棒ジェシー・ジェームズを演じて、ベネチア国際映画祭で男優賞を受賞した一作。冷血な瞳をたたえ、殺しも辞さないブラピの不気味な名演は、彼自身にとっても久しぶりの存在感を示すことになった。犯罪一味のリーダー格であるジェシーにあこがれる、ロバート・フォード。臆病だった彼が、一味に加わったことから犯罪者としてのシビアな心を身につける。ドラマは、ロバートの視点を中心に描かれていく。
最初の1時間は、はっきり言って冗長な展開である。物語をどの方向へ進めるのか、作り手側の迷いが感じられないこともない。しかし、中盤からは、このゆったりとした流れが、ジェシー、ロバート、双方の心境に寄り添うようで、俄然、物語に引き込まれてしまう。ブラピがこだわった小道具や映像によって19世紀末のアメリカ社会がビビッドに伝わり、とくに名カメラマン、ロジャー・ディーキンズがとらえた大自然の映像が圧倒的。ブラピに負けない印象を残すのが、ロバート役のケイシー・アフレックで、アメリカ人にとっての“英雄”を暗殺した後の、ロバートの悲哀がにじんだ演技は高く評価されていい。（斉藤博昭）
【くちコミ情報】
伝説や英雄は存在しない。人は一人の人間
１９世紀のアメリカの舞台の再現は完璧。衣装からセットまで入念に作りこまれてる。そしてキャスティングも完璧だと思いました。堂々としたブラッド・ピットの演技もいいと思ったし、そして何よりロバート・フォードを演じるケイシー・アフレックの演技が印象に残りました。原題は『THE ASSASSINATION OF JESSE JAMES BY THE COWARD ROBERT FORD』。この中にある「COWARD(臆病者)」という言葉がケイシー・アフレックの演技に埋め込まれていました。 ジェシー・ジェームズもロバート・フォードも有名になったけれども一人の人間であることには変わりはない。英雄や伝説なんかは存在しない。そう感じました。強盗団として一躍を馳せたジェシーも眠るときは銃を手放さない。彼を殺したロバートも周りから非難されることとなる。英雄と謳われたジェシーは周りの人間を警戒する日々を送ることとなるし、ロバートにも悲惨な現実が舞い降りる。人生は一歩道を踏み外すと容易にはそこから抜け出せない。そんな感想を持ちました。
静かな迫力
冒頭の列車強盗の迫力から、そのあともハリウッド的な展開になるのかと思いきや、 そのあとは主人公とその主人公を崇拝する青年との日常生活を描く。 主人公についてブラッド・ピットが熱演。 どちらかというと寡黙であり、仲間を大切にしつつ、 どこか冷静にその仲間を信じていない様。 その心のうちを上手に描いている。 ２時間４０分という長丁場ながら、 この静かな迫力を感じながら過ごす時は決して長いものではありません。
プラピだから最後までみたけど･･･
母に「昔からある物語」という情報と、面白そうという事、ブラピが主演という事で 見ました。･･･なんだ？って感想でした。 色んな説がある中、これが一番真実に近いのでは、との事だそうですが 母から聞いた話とは全く違って地味でつまらなかった。 ブラピじゃなかったら途中で止めるんだけど最後まで見て、ブラピだから星２つです。 ブラピじゃなかったら星無かったかも･･･。がっかりでした。
残念ながら退屈した
前半途中で寝てしまうことが２回あった。ﾌﾞﾗｯﾄﾞ・ﾋﾟｯﾄは最も好きな俳優で、本作は彼が望んで出演したとうことで期待していた。後半は前半と違い展開が速い。長い映画は嫌いではないが前半なにしろ退屈してしまう。また見直せば違った見方もできるような気もするが、１回見た感想としてはこんなところ。
珍しい西部劇
ケイシー・アフレックの眠たそうで、呂律が廻ってないようなふにゃふにゃした喋り方が印象的でした いかにも気弱そうで、映画の中でも周りに煙たがれてしまうのも納得してしまう ジェームズに近寄ることで、自分の評価を高めてやろうという他力本願な奴は、学校のクラスにもいたような気がします ブラッド・ピットが演じるジェームズもカリスマ性抜群でした 内容は西部劇には珍しく、派手なドンパチはありません 音楽も控えめで、静かに淡々と物語りは進んでいきます ２時間を越える長編をこのテンションで保ちながら観せてしまうのは凄いです また、個人的には冒頭の列車襲撃シーンで、列車の明かりで照らされる盗賊達がまるで絵画の一枚のようで、とても気に入っています 思いつくまま書きましたが、ちょっと異色の西部劇を観たい方にはオススメです
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トム・ウルフの世界的ベストセラー小説をもとに『存在の耐えられない軽さ』『クイルズ』などのフィリップ・カウフマン監督が壮大なスケールで描いた宇宙開発秘話。1950年代より始まった米ソの冷戦構造のさなか、アメリカは宇宙開発に一歩先でていたソ連に対抗すべく、マーキュリー計画を推進。7人のパイロット（スコット・グレン、エド・ハリス、デニス・クエイドなど）が宇宙飛行士として選ばれるが、それに背を向けるかのように、初めて音速の壁を破った男チャック・イエーガー（サム・シェパード）は独り自らの記録を超えるべくチャレンジを繰り返していく。
国家に殉じて英雄となるべく訓練を続ける男たちと、あくまでも一匹狼として生きようとする男、ヒーローの姿を対比的に描いた快作。アカデミー賞編集・作曲・音響・音響効果の4部門を受賞。（的田也寸志）
【くちコミ情報】
パイオニアたちの「栄光」と「苦悩」
アメリカの有人宇宙開発の最初期は、一人乗りのマーキュリー計画であった。ついで、二人乗りで、船外活動ら、ランデブー、ドッキングなども行なうジェミニ計画になり、三人乗りで、月面に人間を運ぶアポロ計画に移っていく。 この話は、そのマーキュリー計画の発足に当たり、陸海空軍の優秀なパイロットに対し、計画への参加を打診し、それぞれが、苦悩し、参加をし、あるいは拒否する姿が描かれている。 ベルＸ−１で音速を破り、スピードの世界記録を樹立し、もっとも優れていると思われたイエーガーの参加の拒絶、選ばれた７人の中から、スレイトンだけが病気で外されるシーン（但し、史実としては、スレイトンは,以後、パイロットの線締約というつらい立場に立たされる）など、様々な人間模様が描かれている。 特筆すべきは、仲間であり、チームでありながら、ダレが一番最初の飛行をするかという点ではライバルである７人の微妙な距離感が単なるうチューロケットのアクション物でない人間性を与えていることであろう。
当時の
公開された当時のコピーの一つに「１人の英雄と７人の栄光の男たち」 との文句があったと記憶しています。 このコピーに集約された、男たちのドラマ。それを支える妻や恋人たち。 名作です。
これぞ男の中の男！を描いた傑作だ
男のかっこいいところもかっこわるいところも、立派なところも俗物なところも、凄いところも情けないところも、全てを認めながら男の中の男を描いた映画。ソ連の宇宙開発に必死に追いつこうとしたアメリカの７人の宇宙飛行士プラス１人の物語。７人のそれぞれが、お互いを認め合ってひとつのプロジェクトを達成する偉業、そして宇宙飛行に先鞭をつけた最初の音速突破パイロットであるチャック・イエーガーへの畏敬。「最高のパイロットは...」とイエーガーの名前を言えずに終わるクーパーのシーンの後に、誰にも知られることなく、一人ジェット機で高度記録に挑戦し、宇宙の闇が見えたところで墜落していくイエーガーの勇姿がこたえられません。それにしても、このようなヒーローは皆７人なんですね。私は「荒野の七人」をリメイクしたとしたら、この映画でマーキュリー７を演じた７人の俳優がぴったりだと思っていました。クリスがエド・ハリス、ヴィンがスコット・グレン、オライリーがフレッド・ウォード....今となっては無理な話だとは思いますが。
誰でも楽しめるわけでは無い...
チャック・イェーガー、ベルＸ１とかフレンドシップ７とか、そういった言葉を聞いて興味を持つ人には解りますが、予備知識無しで見ると背景がわからないし、イェーガーとアストロノーツのどちらが主役でどちらの話しなのか戸惑います。 ボーナストラックにイェーガー本人のインタビューやジョン・グレンの様子があるのでそれに興味を持てるひとはそれだけでもお買い得。 あと、本編のどこにイェーガーが出てるかもわかっちゃう！
星７つです！
綺麗な音楽、美麗な映像、確かな演技。3時間を超える長尺ですが時間を感じられません（良い映画とは得てしてそうですよね？）。劇場公開版よりやや長い（ラスト近くの歓迎レセプションのシーンだったと記憶しているがこの点だけは不満、この一連のシーンははっきりいって蛇足）。当時、セリフが一言でもある登場人物の多さで米映画史上最多記録を持っていた。トム・ウルフの原作は未読だけど、絶対面白いと思う（その昔ヤングジャンプで確か2週読み切りで連載されました）、史実が面白いと映画にしても面白いですよ（プロジェクトＸもそうですよね）。好きなシーンは選考テストのシーンとやっぱりラストかなロケットが煙を吐いて飛んでいくシーンにＢ・コンティの曲がかぶさり、THE RIGHT STAFFのタイトルが（プロダクションだったかな？）映し出されるあのラストシーンは今でも鮮烈に残っています。最初だけと思い見出すとついつい最後まで見てしまう映画のひとつです。秋や冬に合う映画ですよね。「サンダーバード」の主人公達の名前はこの計画に携わったパイロット達の名前からとってます。
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2000年のニューヨーク。マルチメデイア企業の社長が急死し、未亡人となった妻ガートルードは夫の弟で会社後継者でもあるクローディアス（カイル・マクラクラン）と再婚。留学先から帰国した映画監督のハムレット（イーサン・ホーク）は父の死に疑問を抱き、それに執着するあまり、やがて恋人のオフェーリア（ジュリア・スタイルズ）の忠告をよそに奇行を繰り返すようになっていき…。
シェークスピアの四大悲劇のひとつ『ハムレット』を現代に置き換えた野心作。台詞などは原作に忠実で、このあたりは同趣向で成功した『ロミオ＆ジュリエット』の影響が色濃いかもしれないが、美術や衣装などが徹底して現代的な形で披露されており、そのミスマッチ感覚が本作の最大の特色ともいえよう。父の復讐のために、主人公が映画を用いるという設定も、現代ならでは？（的田也寸志）
【くちコミ情報】
現代に生きるハムレット
数多くのハムレット映画があるなかで、純粋に、映画としてワクワクする可能性のあるのがこの作品です。 格調高いシェークスピア世界を勉強したい方には、ケネス・ブラナー版やローレンス・オリビエ版をおすすめしますが、ハムレットという人間を身近に感じてみたい方には、何よりこのイーサン・ホーク版です。 ほぼ原語の英語で、ストーリーもほとんど変えずに、状況設定を現代ニューヨークに移しているので、多少の違和感はありますが、イーサン・ホークの演ずるハムレットは、他のどの映画のハムレットよりも繊細で、自由で、誠実なオリジナリティーに溢れています。とくにオフィーリアへの愛がこんなにまっすぐに伝わるハムレットを僕は知りません。 まさに現代の隣りにいるハムレットであり、ハムレットは現代人であることにこちらの胸が熱くなります。
舞台演劇は好きですか？
誰もが知っているシェイクスピアの戯曲『ハムレット』の舞台を現代に移して物語が展開するこの作品。ハッキリ言って無理があります…けれど、その無理がイイ味をだしてたりもします。しょっぱなで誰もが知っていると言いましたが、実際に読んだ事のある人はそれほど多くないと思います、さらに舞台を観た事のある人でこの作品を観ようと考える人は、はたして何人いるのでしょうか？ この作品は終始退屈するか、独特の世界にハマるかのどちらかです、舞台演劇独特の台詞が苦手な人にはオススメ出来ません…なぜなら、舞台演出の手法を多用して映画化しているからです…やっぱり、無理があります。しかし、見る価値はあります、このような演出をしている最初で最後の映画作品だと思います。
To be innovative or to be very trite? (Not worth it)
Well he e we a e folks. A p oduction that does not know what it wants "to e". Usually I like to compa e to othe ve sions o the w itten play. In this case it is not wo th the effo t. When they updated Romeo and Juliet they at least had the innovation to change the dialog to match the situation as in "West Side Sto y” (1961). The com ination of old English (Denma k) concepts added to NY. Reminds me of the housing p oject in Ayn Rand's "The Fountainhead" (1949)... Adding a few G eek columns to make people comfo ta le. Michael Alme eyda talks like he sees the eal way Hamlet is meant to e po t ayed, then does this hatchet jo on it and tu ns it into a unch of Sound Bites. If you like the acto s then watch something that they did well and not fo ced into (p o a ly fo scale). If you like Hamlet then watch o ead just a out anything else and it won't e so polluted. This is not a good example of getting of getting you peanut utte on my chocolate. It is mo e of getting something otten on you agel.
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カスタマーレビュー数：7
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一貫して「愛の不毛」を描き続けたイタリアの巨匠ミケランジェロ・アントニオーニ監督が、アメリカを舞台に撮り上げた異色作。学園紛争吹き荒れる1970年代初頭、大学内に突入してきた警官に発砲して逃亡中のマーク（マーク・フレチェット）は、仕事を捨てて放浪中のダリア（ダリア・フルブリン）と砂漠地帯で出会い、いつしか愛し始めるようになる…。
アントニオーニ作品の常で、ドラマそのものはさして重要ではなく、あくまでも映像による心象風景から、現代社会の病巣を巧みに描いていくという手法。広告が延々立ち並ぶハイウェイを車で走るシーンなど、その顕著な例といえよう。脚本には、劇作家兼俳優のサム・シェパードも参加している。（的田也寸志）
【くちコミ情報】
協調というより侵食か
欲望（１９６６年）：ロンドン：ＰＯＰアート：ヤードバーズ＝砂丘（１９７０年）：カリフォルニア：サイケデリック：ピンク・フロイド。ミケランジェロ・アントニオーニの手による２つの英語圏作品は、奇妙な符号の一致を見せている。『欲望』の中では、ストイックなまでの抽象的表現の中に、アントニオーニらしい深遠なメッセージの断片を感じ取ることができたが、はたしてこの『砂丘』においてはどうだろうか。 ＜ピンク・フロイドとのコラボレーション＞というまがまがしいキャッチコピーが付けられた本作品は、『欲望』における完全に形骸化された＜ヤードバーズ＞の扱いとは異なり、アントニオーニ独特の世界観が＜ピンク・フロイド＞という個性に完全に侵食されてしまっている。まるで昔の＜ピンク・フロイド＞のミュージック・ビデオを見ているかのような陳腐なラストシーンが、アントニオーニ的な普遍性をないがしろにしているのは間違いない。撮影中、両者が反目し合ったという事実も大いにうなずける。 『猿の惑星』のロケ地として有名な＜ザブリスキー・ポイント（原題）＞における男女の絡みは、この映画の中で唯一アントニオーニらしいメッセージ性を感じる。「排除しなければ先へ進めないのか」資本主義に対する究極の命題を観客につきつけた後、まるで原始時代の類人猿のように砂まみれになってフリーＳＥＸにふける若者たちを映し出す。学生運動の集団にも溶け込めず、かといって体制に尻尾をふることもできないマークは、まるでどこか別の惑星を思わせるこの＜ザブリスキー・ポイント＞を「自分に似ている」と恋人に語るのだった。
アントニオーニと英語圏
思ったより評判良くないので平均点上げます。 飛行機が飛ぶシーンなんか、普通のアメリカ映画ではありえない豊かさがあっていいと思うけどなぁ。 「欲望」「さすらいの二人」など、イタリア人のアントニオーニが英語圏で撮った映画は素晴らしい。
砂丘
素晴らしい映像とリズム。 主人公の青年と女性ヒッピーの自由なようでいて自由ではない、この時代特有の閉塞感。 物語は何も解決されていないけれど、想像力は無限の世界へと旅立つ。
ヨーロッパを描いた手法でアメリカを描こうとした失敗作
やはりアントニオー二の世界は、ヨーロッパの暗い憂鬱な風景の中でこそ十全に発揮されるものなのではないかと思いました。「欲望」や「赤い砂漠」、「太陽はひとりぼっち」などでは効を奏したアントニオー二の手法も、明るい陽光に照らされたアメリカを舞台としたこの映画では空回りしてしまっているように思えてなりませんでした。ピンクフロイドとのコラボレーションをするのだったら、割り切ってもっとサイケデリックな方向に重点を置いて映画を撮るべきだったでしょう。その辺も中途半端で何だか煮え切らない映画になってしまいました。なるほど、ラストは衝撃的ですが、何も衝撃的だからといってそれが「良い」ということにはなりません。
ストーリーには、興味無し！ピンク・フロイドの演奏が全て！
この映画は、当時ピンク・フロイドファンだったので、見たのですが、ストーリーは「モア」よりも詰まらない内容で、フロイドのメンバー自身が「アントニオーニは、イモだ！」と言っていた、という事を立川直樹が書いていた記憶がある。 強烈な印象が残っているのは、冒頭のシーンに流れるニック・メイソンの叩くドラムによるリズムマシーンのような冷静なビートと、最後のカットとなる、別荘が爆発するスローモーションのシーンにかぶさる「５１号の幻想」が、「ユージン斧に気をつけろ」に似て、段々と演奏が高潮してゆく部分が印象に残っている。他には、視るべき内容が無かった。フロイドファンは、アウトテイクも収録した２枚組ＣＤを購入する事をお勧めします。
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